Teatro di Legno

A proposito del Legno

2011-08-03T21:05:00.003+02:00

Di Legno son fatte le tavole del palco.

Il Legno è materia prima dell'artigiano, che lo trasforma.

La sonorità del Legno evoca un tempo altro, legato al rito forse. Un tempo dove il teatro sembrava avere un senso, senza doverlo ribadire ad alta voce. Bastava il sorriso di un bambino per una smorfia di Pulcinella per dire che il teatro aveva quel senso.

Il Legno può accendersi come un'emozione.

Gli attori potrebbero essere burattini fatti di Legno o anche tarli, che si nutrono del Legno e scavando gallerie gli danno nuova forma.

Hai davanti a te un muro bianco e freddo e al centro una trave di Legno consumata; quello che ti attira ovviamente è la trave, perché è vissuta, dà calore. Puoi stare, se hai un po' di follia, a guardarla per ore, perché ha tarli e buchi, ha un disegno, in superficie e all’interno. E già ancor prima l'albero, la sua corteccia, aveva un disegno impresso come a voler narrare una storia con solchi e linee.

Di Legno son fatte certe case.

Non merita lamenti - foto e parole

2011-03-10T00:31:00.010+01:00

"Come può un soggetto apparentemente semplice, forse addirittura banale, diventare l’occasione per mettere in scena una piccolo gioiello teatrale? […] Siamo in una Napoli in cui condizioni disagiate e scarso livello culturale sono le cause principali di un degrado non solo materiale ma anche, e soprattutto, dell’animo. Tutto è scuro sulla scena, così come scuri sono i volti e i cuori dei protagonisti: sono tre, un padre, una madre e la loro unica figlia. Rapidi barlumi di speranza, di voglia di migliorare, affiorano timidamente nel solo sguardo di quest’ultima, la giovane figlia di Pasqualina; scompaiono presto, inghiottiti dalla vita vissuta, che di speranzoso ha ben poco. Molte delle emozioni che si percepiscono durante lo spettacolo sono affidate allo sguardo di Annamaria Palomba, straordinaria interprete, ottimamente calata nel ruolo di Pasqualina. La donna si presenta sulla scena narrando i fatti della sua misera vita, con voce ferma, quasi monotona; i movimenti calmi nascondono, però, una rabbia incontenibile, giustificabile solo alla luce della comprensione del suo vissuto. L’interpretazione del ruolo di Pasqualina è l’occasione per l’attrice di mostrare al meglio una espressività che traspare con rara naturalezza già dallo sguardo, dalla mimica del volto. […] La regia ha contribuito alla ottima riuscita di questo lavoro con la creazione di uno spazio scenico essenziale, in grado di fare da sfondo alla lotta ideale tra calma e rabbia, tra umanità e ignominia. Il lavoro è bello proprio per la sua essenzialità, per la sua semplicità. È un viaggio nell’animo umano e dell’animo umano mette in luce tutte le ombre più recondite.”

Fabio Dell'Aversana per teatro.org

“Sono tre figure distinte più che diverse una dall’altra: la madre Pasqualina (Annamaria Palomba), statuaria ma non ieratica, impietosa e compassionevole allo stesso tempo; la figlia Carmela (Ilaria Cecere) di una bellezza mutilata, senza più redenzione; e in mezzo, quasi come un cuneo, il padre (Fedele Conanico), supponente e spietato nell’umiliare le “sue” donne, ma intimamente debole. Tutti loro si affannano nel microscopico universo racchiuso sulla scena, e che sembra vivere di iterazioni: gli schiocchi della frusta del padre, la violenza delle assi e dei tavoli ribaltati, le parole dure come pietre della madre, la simulazione degli atti sessuali subiti dalla figlia. Una coazione al male che riesce in parte a sbriciolare la barriera della quarta parete, imponendo agli spettatori una più sofferta, viscerale partecipazione.”

Clemente Tecchia per Caserta Musica e Arte

“Tra silenzi, grida, e scene di concerto le tre anime dannate vagano escludendosi e assorbendosi, trafitte da un sostrato comune di rapporti di dipendenza; si finisce per crepare a terra sotto i colpi di una mano o del sesso, si finisce a sbattersi sotto un velo che avvilisce i profili trasformando il volto di una Maddalena in Vergine affranta. Per chi osserva seduto in panca trattenere l’emozione, al pari dell’indignazione, è impresa difficile, così come complesso risulta infrangere il vettore dell’attenzione. La scenografia crea un contesto intimo in senso trasversale, proprio dove l’intimità non ha più pareti di tutela. Come struttura mobile, una casa-cabina squassa il silenzio con i suoi scoppi di tavole di legno e diviene zona d’esclusione di sguardi, una volta chiusa, definitivamente, con innumerevoli mandate in fine di dramma.”

Christian Iorio per Arteatro

Teatro di Legno cerca attori

2010-11-08T21:16:00.003+01:00

Laboratorio di conoscenza attori per una nuova produzione e per la parteciperazione al Premio Scenario/Ustica 2011

Teatro di Legno prende parte alla tredicesima edizione del Premio Scenario con un nuovo progetto di ricerca e messa in scena per il quale si avvale della collaborazione drammaturgica del giovane autore napoletano Rosario Esposito La Rossa.

Decidiamo in questa occasione di aprire le porte a quanti ci hanno chiesto di collaborare. Decidiamo di incontrare nuove energie e nuovi stimoli. Decidiamo di lavorare con il nostro modus operandi e di farlo interagire con chi non lo conosce o con chi ne ha potuto osservare solo i risultati in forma di spettacolo.

Cerchiamo persone che abbiano le nostre stesse urgenze, il nostro stesso bisogno di dare voce e corpo ai fantasmi che si aggirano in noi sotto forma di desiderio di dire/fare.

Luigi Imperato | Silvana Pirone

Modalità

Il laboratorio è aperto ad attori con non più di 35 anni, preferibilmente residenti in Campania o disposti a risiedervi per alcuni mesi.

Selezioneremo i partecipanti al laboratorio tenendo conto del fatto che ricerchiamo soprattutto uomini

Il laboratorio si terrà nei giorni 20, 21 e 28 novembre a Castellamare di Stabia (Na), presso scuola di teatro La Ribalta. Sabato 20 si lavorerà dalle ore 9:30 alle ore 14. Domenica 21 e 28 si lavorerà dalle ore 10 alle ore 18.

Per candidarsi al laboratorio è necessario mandare, entro e non oltre il 15 novembre 2010, il proprio curriculum, due foto e una lettera di motivazione a: teatrodilegno@gmail.com

I selezionati verranno contattati entro il 17 novembre 2010.

Costi

Il laboratorio è GRATUITO.

N.B.

La produzione dello spettacolo sarà autofinanziata, si richiede dunque motivazione e fiducia.

Il progetto sarà ultimato indipendentemente dagli sviluppi e dagli esiti del premio.

Info

Luigi: 329.4140923

Silvana 340.0554131

email: teatrodilegno@gmail.com

web: teatrodilegno.blogspot.com

Non merita lamenti - Foto

2010-10-29T10:01:00.004+02:00

Non merita lamenti - Foto di Ilaria la Volla

La nave dei folli - video

2010-09-27T14:15:00.002+02:00

Pigro!

2010-08-04T11:49:00.000+02:00

Da un racconto di Fabio Tilocca finalista Premio Massimo Troisi 2010

Adattamenteo e regia: Luigi Imperato e Silvana Pirone

Con: Domenico Santo

“Sì, sono davvero pigro. E’ molto facile apparire pigri o spacciarsi per tali quando si è solo annoiati o stanchi. Ma la stanchezza passa. La pigrizia non ti lascia mai. Come faccio ad affermare con tanta certezza di essere davvero pigro? Beh, io faccio la pipì seduto. Sì, mi siedo e sono anche convinto che sia la soluzione più ragionevole. Noi uomini possiamo farla in piedi, ma è una possibilità non un dovere. Se ci troviamo per strada, mettendoci davanti ad una parete o diuetro ad un albero risolviamo agevolmente il problema di liberare la vescica senza dove trovare una toilette: gran bel vantaggio. Ma se possiamo sederci, perché passare qual faticoso minuto in piedi?”

Fabio Tilocca

La parola "madre"

2010-08-04T11:39:00.000+02:00

Scritto e diretto da Luigi Imperato e Silvana Pirone

Con: Fedele Canonico, Domenico Santo, Salvatore Veneruso

Costumi: Francesca Balzano

Disegno luci: Paco Summonte

Attrezzeria: Monica Costigliola, Stefano D’Agostino

Spettacolo prodotto con il contributo straordinario alla produzione del progetto Nuove sensibilità

Tradire è forse nella tradizione, ma il tradimento non è di tutto riposo.

Ho dovuto compiere un grande sforzo per tradire i miei amici: in fondo c’era la ricompensa

Jean Genet

Sinossi

Una notte dopo quindici anni di assenza, Emma B. incontrerà suo figlio. E’ una notte di attesa, ma anche di festa. Savinio immagina la sua protagonista sola in scena, in un monologo allucinato; noi le affianchiamo due personaggi che insieme a lei danno vita ad una danza dell’attesa e nello stesso tempo si fanno narratori-testimoni di un segreto profondo e impronunciabile: l’incesto compiuto dalla protagonista con suo figlio per sottrarlo ad una ispezione nazista. La condanna dell’incesto resta sulla soglia dell’ambiguità: Emma infatti è madre, ma sembra riconoscere nel figlio il suo uomo, o ancora meglio il suo complemento, l’essere umano da lei generato e che può renderle il sesso mai posseduto, e la libertà legata all’essere maschio. Delusa da una prima figlia perché femmina e condannata a passare da un padrone all’altro (padre, madre, marito), sembra pronta a voler portare a se definitivamente quel figlio, il quale ha per

troppo tempo cercato in altre donne la felicità e fatto fatica a “pronunciare la parola madre fuori da certi significati”.

Note di regia

Il nostro allestimento esplora quel mondo materno attraverso tre uomini che recitano donne. La negazione del ruolo della femminilità viene pronunciato da voci maschili che tentano di invertire il proprio sesso.

Emma sembra fare i conti con una realtà desolante che non accoglie le sue urla soffocate in sospiri, e cerca di sfuggirne attraverso quello che ritiene il suo atto più potente: la messa al mondo di un uomo, maschio. La realtà di questo uomo e di quello che per lei ha significato e significa (compreso il peccato come affermazione) sembra in ogni momento labile e prossima più ad un fantasma che ad una persona. Il suo mondo pare una messa in scena rituale dell’attesa materna al fine di evadere da una mortifera solitudine.

La nave dei folli

2010-08-04T11:23:00.000+02:00

Regia e drammaturgia: Luigi Imperato e Silvana Pirone

Con: Annamaria Palomba, Silvana Pirone, Domenico Santo, Salvatore Veneruso

Costumi e scene: Luigi Imperato e Silvana Pirone

Foto di scena: Rosario Dovere e Santiago Faraone Mennella

Disegno Luci: Paco Summonte

“… è la Nave dei folli, strano battello ubriaco che fila lungo i fiumi della Renania e i fiumi fiamminghi... Si può credere che, in certe città importanti, luoghi di transito e di mercati, i folli fossero condotti dai mercanti e dai marinai in numero molto considerevole e quivi abbandonati, purificando così della loro presenza la città di cui erano originari. È forse accaduto che questi luoghi di “contro-pellegrinaggio” si confondessero con quelli dove al contrario gli insensati erano condotti come pellegrini. Si riunivano così la preoccupazione di guarire e quella di escludere; si rinchiudeva nello spazio sacro del miracolo…”

Michel Foucault, Storia della follia nell’età classica.

Personaggi grotteschi segnati dalla follia. Sono vittime dell’emarginazione, prigionieri del viaggio, immobili sulla soglia dell’esilio. Vengono condotti al loro destino con l’inganno: imbarcati con l’illusione di un pellegrinaggio salvifico.

Note di regia

La nave dei folli accoglie corpi-relitti, storie di oltraggi, di umanità ripudiata. Anime sopravvissute a se stesse, personaggi senza più nome in un ambiente senza più nome: brandelli di esistenze appartenute forse ad alcuni ma ormai rifiutate, come si rifiutano oggetti vecchi in cui non ci si riconosce più e che denunciano una parte di sé. Quella parte che è comodo non mostrare e soprattutto non guardare.

I nostri folli aspirano ad aggirarsi nelle nostre menti e sotto la nostra pelle, godono a metterci di fronte ad un dubbio, uno specchio distorto che ci fa domande e che non sa dare risposte. Loro stessi vivono nel continuo dubbio della realtà che li esula a volte esitanti nel credere a se stessi: si sorprendono a fingere, a recitare ruoli o a sentirsene doppi involontari. Sono soli eppure uniti dalla comune solitudine, si tengono per mano, si abbracciano in un amplesso di male comune, ma si fanno anche la guerra, si odiano, si amano e sperano. Sono uomini.

La nostra attenzione non è concentrata sulla follia come stato psichico, ma sulla ritualizzazione scenica dell’esilio che si trasforma lentamente nel rito del ricordo e della disperazione.

La coscienza di... Svevo

2010-08-04T11:17:00.002+02:00

drammaturgia collettivo corpo 10
regia Luigi Imperato e Silvana Pirone

La coscienza di Zeno è la finta autobiografia di un personaggio che non ha eguali nella letteratura contemporanea: Zeno Cosini è un nevrotico ossessionato dal vizio del fumo, un malato immaginario, un commerciante incapace e un uomo apparentemente inadatto a qualsiasi attività. Eppure, in un mondo che sembra governato dalla legge del più forte, Zeno attraversa la vita con leggerezza e ironia, riuscendo a “cadere sempre in piedi” e a trionfare sugli altri e sui suoi stessi limiti.
Grazie a La coscienza di Zeno, Italo Svevo, un anziano industriale triestino con un passato da scrittore fallito, si è ritrovato negli ultimi anni della sua vita ad essere paragonato ai grandi maestri della letteratura contemporanea, celebrato dai critici europei nei più importanti salotti letterari.
Ma chi era Italo Svevo? Dai ricordi e dagli aneddoti della figlia Letizia emerge oggi, a 150 anni dalla sua nascita, una figura sorprendentemente somigliante a quella del suo grande protagonista letterario. Uno Svevo ipocondriaco e ossessionato da mille malattie e fissazioni, come quella di non saper scrivere in italiano o di non riuscire a smettere di fumare le sue 60 sigarette al giorno. Uno Svevo distratto al punto di perdersi per strada la figlia piccola e gelosissimo della moglie come un ragazzino, ma anche un uomo generoso e capace di sdrammatizzare qualsiasi situazione, come quella, tragica, della sua morte per un incidente stradale.

Con questa pièce teatrale si tenta di rendere evidenti, chiari e comprensibili i passaggi psicologici e letterari, spesso nascosti o poco noti, che hanno portato l’uomo Ettore Schmitz a concepire il suo più grande capolavoro. Senza incappare nel luogo comune della coincidenza tra autore e personaggio, si cerca di ricavare un percorso che identifichi i principi di similitudine tra Ettore, Italo e Zeno, che analizzi i tratti distintivi della sua opera, anche in relazione al contesto sociale, culturale e politico dell’epoca, che mostri lati sconosciuti del suo
carattere e della sua vita privata e che possa, nel complesso, essere divulgativo e piacevole allo stesso tempo.

Giorni perduti

2010-08-04T10:31:00.005+02:00

DRAMMATURGIA: LUIGI IMPERATO
REGIA: LUIGI IMPERATO E SILVANA PIRONE
CON: SILVANA PIRONE
IDEA SCENICA E COLLABORAZIONE REGISTICA: DOMENICO SANTO
ORGANIZZAZIONE E DISTRIBUZIONE: VERONICA VENERUSO

- Guai a quei ragazzi che si ribellano ai loro genitori e che abbandonano capricciosamente la casa paterna! Non avranno mai bene in questo mondo; e prima o poi dovranno pentirsene amaramente.

- Povero Pinocchio! Mi fai proprio compassione!...

- Perché ti faccio compassione?

- Perché sei un burattino e, quel che è peggio, perché hai la testa di legno.

Le avventure di Pinocchio, Carlo Collodi

Una donna abita una scena di legno e cartone: all’apparenza sembrerebbe una barbona oppure una folle che parla da sola e invece dopo poco ci accorgiamo che vuole raccontarci una storia, si rivolge direttamente noi al pubblico, come se fossimo gente capitata per caso sulla sua strada e a cui ha necessità di rivolgersi. Affiorano così stralci di un evento biografico narrato però senza linearità

“ Fa un cazzo di male trasformare il legno in carne.”

“Giorni perduti” è un monologo teatrale liberamente tratto da un brevissimo racconto di Dino Buzzati, una storia semplice che unisce realismo e narrazione onirica e affronta i temi complessi dell’ambizione, dell’individualismo, del valore dell’umiltà e, più sottilmente, del valore dell’esistenza.

Devot'

2010-08-04T10:10:00.000+02:00

Regia: Silvana Pirone
Drammaturgia: Luigi Imperato e Silvana Pirone
Con: Fabiana Fazio, Domenico Santo. Salvatore Veneruso

Jescetenne, sta scennenno ’a Madonna
Ascite sta scennenno
’A Madonna, sta scennenno ’a Madonna

Nell’attimo prima di compiersi
Il rito manifesta spasmodico la sua stessa urgenza

Tutti accorrono da vicino e da lontano
dal presente e dal passato, dalla carne e dallo spirito
a rendere omaggio a colei che tutto può,
a colei a cui tutto si chiede….

I desideri che non si possono realizzare
I ricordi che non si possono dimenticare
La malattia che non si può curare
L‘arsura che non si può dissetare
Le parole che non si possono dire

È l’inconfutabile, l’impossibile, l’incommensurabile
Diventano misura precisa, nel passo lento di chi deve e vuole.
Portare il peso, concreto, tangibile, di colei che tutto sa e che tutto vede.

Un pesò che è motivo d’orgoglio, una fatica, un dolore che sono ragione di riscatto.
Nei confini consueti di un interno familiare (cucina, salotto, camera da letto)
ognuno viene colto da una sorta di mistica frenesia.

Gli attriti scintillano tra polvere e farine
Tramestio di stoviglie e tovaglie
Tavole apparecchiate e subitamente sparecchiate
Ci si prepara, ci si acconcia, si corre, si torna, si parte di nuovo.
Per lei, e scarpe e nuovi treni e orecchini e trine e asfalti.
E folla, folla, folla
Acclamante ribollente conturbante schiumante che si gonfia come un cavallone di mare …

Sta ascenno
Sta ascenno ’a Madonna. Muoviti!

Non merita lamenti

2010-08-03T18:34:00.001+02:00

Drammaturgia e regia: Luigi Imperato e Silvana Pirone
Con: Fedele Canonico, Ilaria Cecere, Annamaria Palomba
Scene: Monica Costigliola
Disegno Luci: Paco Summonte

Spettacolo Finalista Premio Scenario 2009

Pascalina Di Gesù coniugata Colantuono. Faccio due attività.
Una piena di cazzimma, l’altra caritatevole verso me e verso l’anima chi mi chiama.

Due donne si raccontano. Una figlia scrive una lunga lettera per annunciare la propria morte suicida. Torna sulla sua storia, una storia di vita repressa.

Cara mammà,
quando ero piccirella ero la prima della classe, ma mi sono dovuto scordare tutto. Non me lo ricordo più come si scrive, tengo una parlata sporca, che sa di sfaccimma. Parlo senza grammatica, come la mia vita. La lingua è fatta di regole, è un’invenzione. Io conosco cose concrete, dove le regole se esistono sono poche e le ha inventate qualcuno che me lo vuole mettere nel culo.

Torna sul padre, sulla prepotenza di un uomo che si arroga il diritto di distruggere un’esistenza solo perché l’ha creata, perché ne è padrone.
La madre ricorda il dolore e i lamenti ingoiati in nome della vergogna che suscita una morte suicida, una morte che non merita lamenti. L’ambiente che circonda le vicende è violenza, è sopraffazione, un vento forte e continuo che travolge tutto, determina le azioni dei singoli.

Mani imbrattate nella melma dell’equivoco, labile confine tra bene e male: i buoni sono sempre pronti ad uccidere.

Io piango i figli di tutti perché non ho potuto piangere mia figlia. I morti di suicidio non si piangono. Si atterrano silenziosi. La gente manco se ne deve accorgere. Quando è morta mi sono stata zitta. Ho inghiottito tutte le urla delle madri che abbracciano figli morti, ho divorato tutta la pietà della madonna vergine. Ma io sono tosta. Mi lamento tutti i giorni, e vomito quello che ho ingoiato. Mi lamento per chi muore di malattia, di fatica, di speranza, ammazzati, morti uccisi, vecchi, giovani, piccirilli. Chi si suicida non è cristiano, non merita lacrime. Non merita lamenti.

A Teatro di Legno il Premio Vittorio Mezzogiorno

2010-07-23T10:10:00.004+02:00

Giunto alla quinta edizione, Il Premio Vittorio Mezzogiorno, sarà consegnato da Giovanna Mezzogiorno a Lucia Mascino e alla compagnia Teatro di Legno durante la serata del 25 luglio presso l’Arena Alberto Sordi della Cittadella del Giffoni Film Festival che quest’anno festeggia la 40esima edizione.

Il riconoscimento, fortemente voluto proprio da Giovanna, è stato istituito nel 2004 a dieci anni dalla prematura scomparsa del padre e viene conferito all'attore, all'attrice o alla compagnia teatrale emergente con l'obiettivo di favorirne il personale percorso formativo e lavorativo.

La giuria presieduta da Giovanna Mezzogiorno, dalla madre Cecilia Sacchi e dagli sceneggiatori Dino e Filippo Gentili ha espresso le seguenti motivazioni:

A Lucia Mascino, giovane attrice che si è contraddistinta negli ultimi anni a teatro recitando con registi del calibro di Filippo Timi, Valerio Binasco, Giorgio Barberio Corsetti; al cinema con "Un altro pianeta", opera prima di T. Tummolini acclamata al Festival di Venezia e al Sundance festival, e in numerose serie televisive. Ogni volta Lucia ha saputo far vivere i personaggi interpretati con una tecnica straordinaria, una toccante resa emotiva e una versatilità fuori del comune.

Alla compagnia teatrale Teatro di Legno che, dal 2003 quando fu fondata da Luigi Imperato e Silvana Pirone, ha dato vita a spettacoli magnifici nel segno di un teatro coraggioso e innovativo, svolto in luoghi canonici e non, di una drammaturgia originale ma in un costante dialogo con la tradizione, facendo leva su attori provenienti da esperienze diverse ma impeccabilmente amalgamati.

Il Premio Speciale Vittorio Mezzogiorno, che consiste in un'opera dello scultore napoletano Lello Esposito, è stato assegnato a Gianni Minà .

La nave dei folli - foto

2008-12-20T14:15:00.002+01:00

Studio per Amleto | Ofelia

2008-12-20T14:12:00.001+01:00

foto di Ivano Winterle

Recensioni de La parola madre

2008-12-20T13:57:00.003+01:00

da teatro.org

La recensione di Anita Curci

‘La parola Madre’, una rappresentazione dai toni profondi, significati intensi; è la messa in scena della simbolica, e paradossalmente coerente, follia di un amore tra madre e figlio.
Hanno lavorato proprio bene Luigi Imperato e Silvana Pirone, rimaneggiando il testo di Alberto Savinio “Emma B. vedova Giocasta” e traendo da esso il meglio per trasporlo in teatro attraverso una sagace mano creativa.
Molto ben fatta la scenografia a tinte rosse cupe, con la luce di un candelabro che ha segnato occasioni di particolarissimo, icastico ingegno narrativo e un senso di altalenante illusione tra realtà e sogno. Tutto ha roteato intorno ad una attesa, sofferta, pungente, chiarificatrice. L’attesa del ‘ritorno’; un ritorno non soltanto materiale di quel figlio -parte essenziale dell’essere madre-, ma specialmente spirituale. Così, dopo aver vissuto nella fatica d’inumare reminiscenze allo scopo di non rispolverare il tormento di un ricordo angosciante, improvvisamente ‘la madre’ pone ogni cosa sul piano della ricerca interiore, e si arrende al lento scavare nella memoria per rivivere momenti stipati da tempo nella mente, fino all’inquietante ritrovamento di quel brandello di esistenza sepolta. E mentre il testo originale prevede un monologo allucinato e stravolto, qui si assiste ad un dialogo intimo che però interagisce con la proiezione di un sé esterno, che cioè fuoriesce dall’anima della protagonista e si triplica in un gioco ingegnoso e straordinariamente efficace. La proiezione dell’immagine dell’inconscio, della coscienza di Emma, trova sostegno nella reciprocità delle figure, ed è incisiva per tre volte contemporaneamente.
Un lavoro davvero notevole, degno d’un vasto pubblico, apprezzabile sotto ogni punto di vista, per la drammaturgia, la regia, la scenografia, e per l’impegno degli attori, Danilo Agutoli, Fedele Canonico e Domenico Santo, che si sono calati, senza remore o impacci, nell’anima di Emma, rendendo al massimo la polivalenza dell’essenza umana e la grandezza dell’amore.
Espediente considerevole quello di mettere in scena tre uomini e non tre donne. Forte simbolismo non caduto nel vuoto, poiché esso esprime fondamentalmente la negazione della femminilità di Emma-moglie, della Emma-donna, laddove non si ritrova la Emma-madre. Ma quando questo incontro si verificherà, accadrà quel qualcosa che confonderà ruoli, provocherà ripugnanza, genererà sensi di colpa e paure.

Napoli, Nuovo Teatro Nuovo, 11 novembre 2008

da vividiscrittura.it

La parola madre - Uno spettacolo da non perdere

Come quando in un improvviso mattino, dopo infinite, noiose, giornate uggiose spunta una ritemprante, splendida, alba; così, dopo aver girovagato per mille e mille spettacoli noiosi, tutti uguali a se stessi, all'improvviso spunta uno spettacolo, una messa in scena, che ti spinge a credere che il Teatro non sia morto, e che, anzi, ci siano giovani in Italia che hanno le potenzialità per tramandarlo e svilupparlo come Dio comanda. E' questo il caso dello spettacolo "La Parola Madre" - Libero tradimento da <> di Alberto Savinio- messo in scena da Vesuvioteatro e Teatro di Legno che hanno la loro base di lavoro ad Ercolano (Na). Quello visto ieri sera, venerdì 14 novembre 2008, al Teatro Nuovo a Napoli è un grande spettacolo di regia pieno di azioni teatrali intense e vigorose recitate con maestria da tre bravissimi attori: Fedele Canonico, Danilo Agutoli, Domenico Santo. E' un grande spettacolo di regia perché coloro che lo firmano, Silvana Pirone e Luigi Imperato, fanno entrare nel loro spettacolo i loro Maestri senza rendere la messa in scena minimamente pesante, né, se posso permettermi il neologismo, "epigonale". Si vede Monetta, si vede Nekrosius, ma si vedono soprattutto le loro mani, le mani dei due registi: inventivi e precisi, dividono in maniera armonica il testo in scene dialogate alternate a scene oniriche piene di movimenti perfetti e di belle idee. Sembrano aver assimilato alla perfezione, i registi, la vera lezione del teatro del Novecento in cui il testo è un luogo d'incontro fra la seduzione delle parole e l'energia della messa in scena. I tre protagonisti, infatti, nel far rivivere scene del passato, creano danze attoriche in funzione del testo e significanti rispetto ad esso. Le suddette danze attoriche non vanno a rafforzare parole dette, non vanno ad esplicarle, ma sviluppano un "senso" che le parole riprendono. Parole e danze attoriche diventano necessarie le une alle altre dando allo spettatore la completezza della storia raccontata. Noi spettatori non sapremo mai, vedendo il risultato finale, quanto in queste messe in scene contino, nelle prove, le improvvisazioni attoriche, non sapremo mai cosa è dovuto a chi, ma se a Silvana Pirone e Luigi Imperato fossero venute metà delle idee messe in scena in uno spettacolo di appena 50' minuti, stiamo davanti a due registi di cui, se riusciranno a non insabbiarsi nella noia del teatro pubblico e dei finanziamenti, sentiremo parlare per molti anni. Unica nota un po' stonata, volendo guardare il pelo nell'uovo, è la "ruccellizzazione" del testo: è vero, lo spettacolo ci viene presentato come "libero tradimento da...", ma sarebbe stato più bello, forse, conservare almeno le atmosfere della prosa di Savinio e non puntare, drammaturgicamente, su una scrittura a volte "facile" che richiama molto le atmosfere create dall'autore di Castellemmare prematuramente scomparso nel 1986. Uno spettacolo assolutamente da vedere, speriamo che trovi le date che merita.

Francesco Scotto

La parola "madre" - foto

2008-10-19T11:38:00.010+02:00

La parola "madre" - Recensione

2008-07-24T17:51:00.005+02:00

da Krapp's Last Post TEATRO TRA LE NUVOLE www.klpteatro.it

Visto a Andria (BA), Chiostro di San Francesco, il 19 luglio 2008

Festival Castel dei Mondi

È tutto un gioco sul tradimento, dalle sfumature grigie e bordeaux. La parola ‘madre' portata in scena dai napoletani Teatro di Legno va oltre il testo di Alberto Savinio Emma B. vedova Giocasta, da cui trae ispirazione, per ricostruirne nuove ipotesi e tonalità. La lunga notte d’attesa di Emma, lontana dal figlio da ormai quindici anni, rappresenta l’intera esistenza – malata, solitaria, allucinata e immaginifica – di una protagonista che i registi Luigi Imperato e Silvana Pirone rappresentano una e trina. Perché la forza di una madre e la sua follia, talvolta, possono amplificarsi all’infinito. A sottolineare un andamento in cui regna la confusione tra chi è chi, la scelta di trasformare Emma in uomini travestiti da donne: un richiamo alla femminilità negata e al desiderio di svelare ciò che sta sotto quelle vesti pesanti dalle forme castigate, che rimandano indirettamente ad un altro personaggio, anch’esso inchiodato alla propria soffocante vita e con cui condividere un nome: la peccaminosa Emma Bovary di Flaubert. L’adulterio, qui, viene però sostituito da un’ipotesi ben peggiore: un gesto incestuoso commesso proprio sull’amato figlio. Ma l’ambiguità rimane il gioco di fondo, che fa oscillare il dubbio della colpa in una mente confusa, ormai incapace di distinguere l’onirico dal reale.
La forza dell’allestimento di Teatro di Legno sta nell’attenta cura dei particolari, nella creazione di una cornice simbolica coerente e mai lasciata al caso, e nella scelta di puntare sulle emozioni dolce-amare che si alternano in palcoscenico. Elementi ancor più apprezzabili se contemplati nell'ottica del debutto assoluto dello spettacolo. Dai colori che sottolineano passione e decadenza, a musiche e scenografia, la compagnia riesce a dare la giusta cornice ad una vicenda che mai uscirà da quelle quattro pareti di vita, in cui il passato lotta tra l’essere rimosso e il perdono.
Danilo Agutoli, Fedele Canonico e Domenico Santo, le tre Emma, riescono a farci preferire di gran lunga questa scelta drammaturgica polifonica al monologo con cui altri si sono già confrontati. Il testo a tre voci ne guadagna in ritmo e freschezza, riuscendo ad esaltare le incongruenze insite in ogni essere umano. Emma si veste, si sveste, aspetta, ripensa, tutto in un continuo, inarrestabile movimento: nei gesti, nelle parole, nei pensieri... Perché fermarsi vorrebbe dire perdersi, o forse morire. Ma il suo è anche un armonico e totale flusso alla ricerca di un’identità: più rassicurante e facile da sviscerare nell’attesa di un figlio che, come il Godot beckettiano, probabilmente non arriverà mai.

Daniela Arcudi

Il consolo - foto

2008-06-16T14:39:00.001+02:00

Perchè continuare!?

2008-05-30T23:38:00.001+02:00

Incomincio a pensare seriamente che tutto è corrotto....
ho guardato e guardo spettacoli
e non riesco proprio a capire come possano esser considerati tali.
Mi guardo attorno, osservo la gente e non riesco a capire tanto entusiasmo!
Non considero il mio modo di vedere l’arte “il migliore”,
ma non capisco…
non capisco come sia possibile emozionarsi
attraverso immagini inutili
dove è tutto messo li… solo perché fa scena
dove la luce di un neon colorato ti si spara sul viso
dove la voce (per assurdo) meccanica …
dove il nudo diviene moda (e per assurdo me lo si consiglia)
dove il nome televisivo diviene TEATRO.

Ma per chi devo
se non solo per me.
Dov’è finita l’arte!?
Dov’è l’emozione…
Dov’è quella magia che da sempre racchiudeva il teatro,
quella che senza aver bisogno di videoproiettori ti lasciava viaggiare
ti accompagnava con parole e luci e corpi e sguardi in un immaginario senza confini!?

E allora perché violentarmi in un applauso,
e allora perché continuare!?

Silvana Pirone

2008-01-04T00:08:00.001+01:00

"Non è vero
che l'artista è un eroe
o un conquistatore audace e intrepido
come vuole una LEGGENDA convenzionale...
Credetemi
è un UOMO POVERO
senza armi e senza difese
che ha scelto il suo POSTO
a faccia a faccia con la PAURA.
Pienamente consapevoli!
E' nella consapevolezza
che nasce la PAURA."

Tadeusz Kantor

2008-01-03T16:29:00.000+01:00

Fermarsi è necessario.
Saper attendere il momento.
Aspettare.

Prendersi il tempo, ma impiegarlo. Non lasciarlo scorrere.

Anche l'attesa è lavoro. Probabilmente il più duro.

Entrando in sala, la nostra nuova sala, ci accoglie Kantor, un suo disegno. Con un graffio ci ricorda: " l'attesa, molto importante ".

Luigi Imperato

Il consolo

2007-11-26T21:46:00.004+01:00

Regia e testi: Luigi Imperato e Silvana Pirone

Con: Viviana Agretti, Fedele Canonico, Ilaria Cecere, Luigi Imperato, Annamaria Palomba, Silvana Pirone, Cira Sorrentino, Salvatore Veneruso.
Costumi: Consiglia Serpe
Disegno luci: Alessia Massai

“E’ morto.”
“Morto? ... Il soggetto signore, di chi parlate?”
“Del conte Francesco Cenci”

Lo spettacolo “accade” durante una veglia funebre: la notte del rito.
Un rito del dolore dove insieme al lutto convivono momenti grotteschi che, pur non risolvendo il dramma, si pongono come atti di celebrazione ironica in nome di una angosciosa ma consapevole accettazione. Il rito diventa a tratti festa, baldoria, ma pur sempre tragica.
Il consolo è cibo. E’ alimento consolatorio offerto in dono al luttuato. E’ rito da consumare, consumando così il dolore della perdita della persona cara... Ma quanto caro è un padre incestuoso?

Beatrice Cenci, figlia del conte, subisce violenza e con violenza reagisce. Ma per coprire il suo delitto è costretta a piangere la morte del padre. E’ parte sconvolta di un rito che aspirerebbe all’oblio, ma non riuscendo a dimenticare cerca un modo per evadere dalla sua colpa. Cerca una giustificazione nelle parole della Bibbia e nell’atto “tirannicida” di Giuditta, cerca carnevalescamente una soluzione capovolta e distaccata del dramma, ma il gioco intorno alla sua storia esplode in un grido di verità. Cerca invano di affidarsi alla volontà divina, ma nel suo volto si legge la disperazione di un dolore irrisolto.

Lo spettacolo nasce dall’esigenza di confrontarsi con stimoli differenti legati al tema della morte ed ai valori che ad essa vengono assegnati dall’uomo. La nostra volontà consiste nell’attraversare la tragedia classica e trasgredirla attraverso le nostre domande e la nostra memoria. Il risultato a cui siamo giunti è una rielaborazione della storia (mythos) della vicenda dei Cenci, già narrata da Dumas, Steandhal, Artaud. Abbiamo voluto trasferire la vicenda che narriamo in uno spazio e in un tempo indefiniti (non dovendone dare un resoconto storico ma una trasfigurazione simbolica), e abbiamo voluto comprimerla in una notte di veglia funebre. Abbiamo voluto far diventare la tragedia rito, un rito però non condiviso e non basato su valori comuni, bensì su vuoti, dubbi e disorientamenti.